Artist’s Statement: Chihiro ITO

My activities are based on the art of today through meaning of Life & Death. In my projects, I take a challenging approach from a perspective that deviates from art history. I also focus on problem awareness as seen from an unordinary perspective but which arose from ordinariness. The means of my production involves documentary and improvisational elements.

The powerful and intuitive style of my works, through which “noises” are let out toward society, derives from the chain of events that occurs during the research that I actively conduct and from my production processes, as well as in connection with the work concept. At the same time, my works consistently and poetically raise questions about humanity/sociality, covering the subjects/identities of “myself,” “now” and “here.”

The several ongoing projects I am performing may seem as a whole incoherent, but upon closer look, they reveal relationships exactly like those in a family tree.

Project 1: Soundscape

This series begins with me collecting samples of familiar sights via such forms as sketching and photographing. Though the contents may differ for each work, those samples, for example, are transformed into motifs and depicted on the support so that they overlap, similar to sounds that overlap within a given period of time. Repetitively painted motifs turn into symbols and are composed so that they function like a graphic notation. The symbols that derive from the respective motifs can represent various different sounds. Thus, if the symbols were to be repeatedly played with an instrument, they would become a repetitive piece of music.

Some simple rules, as follow, are necessary for a viewer to decipher my graphic notations:
1. Decide what sounds are to be applied to each motif in the painting.
2. Decide whether the time represented horizontally proceeds from left to right, or vice versa. Then apply loud sounds to large motifs, and soft sounds to small motifs.
3. The symbols for high-pitched sounds are drawn in the upper part of the painting, and those for low-pitched sounds are depicted in the lower part.

These rules are not strict, fixed rules.

In addition, in comparison to traditional landscapes and still-life paintings, the unique forms of my paintings make it easier to convey senses of smell and life that can be perceived from beyond the surfaces. This feature is one of the unique elements of this series.

Project 2: To Depict What Is There

In this series, I create improvisational paintings using motifs found in the vicinity of each exhibition venue. The problem lies in how I select the subjects from among the countless motifs. All subjects have their own meanings that derive from their historical backgrounds. In some cases, the forms of subjects function to convey messages that transcend their original meanings.

Any motif can be transformed into a work of art. But my interest lies in discovering the value that is inherent in a motif, rather than its value in the external world.

Project 3: Painting Vegetables and Flowers

The vegetables and flowers I adopt as the motifs for my works are mostly selected for their forms and colors. The research that I conduct in and out of Japan covers a wide range of areas, such as streets, fields, parks, mountains, and rivers, as well as familiar places such as supermarkets.

About Vegetables
From around 2009, I began to visit several farms a couple of time a year with a chef friend. At those farms, vegetables were grown in a near-natural condition, such as through the use of heirloom seeds. I brought home the vegetables that I harvested, and began my artistic production process by eating them. This allowed me to feel the positive energy of vegetables during the time I depicted my work.

About Flowers
When I was small, my mother would hold my hand and take me for walks. I vaguely remember her showing me flowers that were planted along roadsides and in gardens, and saying, “This is what beautiful means.”
In 2003, I visited churches and art museums in Europe to view paintings that would likely never be exhibited in Japan. On that occasion, I sketched and photographed flowers that bloomed in various places. At that time, I found out that Europeans see the value of a flower in a completely different way. That is, I was able to come to feel that a flower is the symbol of a positive energy toward life. Thus, the images of a flower I have today are “beautiful” and also possess “a positive energy” toward life.
In addition, in the same way that the first person who recorded African-American blues was an anthropologist, one of the roles of a painter might be to derive new artistic forms from existing flowers and vegetables.

Project 4: Installation

My installation works are done with large-scale paintings and murals.

This installation is aimed at resetting my preconceptions so that I can create a work based on a whole new concept. Whenever I am inside a large space, I have an urge to create a painting as big as a building. This was my initial inspiration for expressing a large-size painting in a vast space.

A huge painting can be likened to the full blast heard at an outdoor music festival. At such a festival, musicians are simply singing and playing instruments. The sounds that are amplified through the electronic circuits of microphones and amplifiers become loud when they reach the audience. But the impression of the sounds can completely change just by being heard at a high volume. How does this compare to painting? That impression of sounds might not be the exact same as with a painting, but I think that there are similar relationships between the two.

If I may add, I often ask for plan drawings at the galleries and cafes where I hold my exhibitions. This is so that the visual and subjective impressions of my encounter with a specific space and its surroundings can be erased to the state of “zero.” In this way, I can begin from capturing the architectural structure of the venue with the numbers, such as its measurements, and the symbols found in the plan drawing. This is aimed at creating an installation through reconstructing those numbers and symbols inside the space from scratch.

My linear depictions are often referred to as being similar to those of sculptors. This impression is likely connected with my attempt to express this side and the other side of a work. I probably naturally acquired this idea from my parents, who are both sculptors.

I seek the possibility of a 3D form in a two-dimensional expression.

From a cosmic perspective, human beings are smaller than even the minutest dust particle. Even so, a person goes through life as he/she suffers from distress in solitude; loves and hurts others; and creates and destroys things. Seen from outer space, a large painting depicted by a person with such characteristics is but a tiny existence. Nonetheless, I want to believe that we humans have the potential to be creative on a cosmic level, or on a scale even larger than that.

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　(Translated by Taeko Nanpei)

アーティスト・ステイトメント: 伊藤知宏

　私は美術史の逸脱した場所からの挑戦的なアプローチや日常の中から出発する非日常な視点を持った問題意識を、いくつかある同時進行中のプロジェクトにおいて、ドキュメンタリー性や即興・即席性を制作の手段として今日的なアートをベースとして活動しています。

そのパワフルで直感的な社会に対してノイズを吐き出して行くと見る側から評される作風は、精力的に行われるリサーチや、プロセス、コンセプトの中で連鎖する出来事の延長に位置づけられます。

それと同時に「私」、「今」、「ここ」というそれぞれの主体や私自身のアイデンティティについての一貫した、ある種人間性・社会性への、詩的な問いかけの実践でもあります。また、私の行う幾つかのプロジェクトは一件取り留めのない様でいて、まるでファミリーツリー（家系図）の様なつながりをみせます。

プロジェクト１：Soundscape

　これは少しずつアプローチを変えてゆくシリーズ型のプロジェクトです。今回は例として初期のSoundscapeシリーズについて書きます。

　身近にある風景をサンプリングし、ひとつの時間帯で重なる音の様に重ねて絵のモチーフを描きます。繰り返し描かれることで反復するそれらのモチーフは記号化され、図形楽譜（絵楽譜）になる様構成されます。それぞれのモチーフは、記号化してみると様々な音に置き換える事が可能で記号を追って演奏を行うと”ミニマル・ミュージック”や、バリの”ケチャ”の様な反復する音楽になります。

上記をまとめて、簡単なルールにすると、、、

1 絵の中のどのモチーフをどの音に置き換えるか決る。

2 画面の左から右、または右から左へを時間軸として決め、大きなモチーフには大きな音を、小さなモチーフには小な音をあてはめる。

3 高い音は絵の中の高い場所に記された記号（モチーフ）、低い音は低い場所に記された記号（モチーフ）として、演奏します。

それらは、決まりきった厳しいルールではありません。

また、通常の絵画（上野の西洋美術館にある様な、金色のでコレーティブな額に覆われた様な、風景がや宗教絵画、生物画）に比べて特異な形態になる為、その直接的な表現絵の向こう側の臭いや温度といったものが伝わりやすくなります。

それもこの作品の独特な要素の一つです。

プロジェクト2：そこにあるものを描く

　展示場所の近くにある全ての物をモチーフに、即興／即席的に絵画を造ってゆきます。数あるモチーフの中から、対象をどう選ぶかが、問題になります。対象はそれが持つ時代背景からくる意味、形態などは意味を超えてメッセージとして機能する場合もあります。

　どのようなモチーフでも作品は可能であり、外の世界というよりも作品そのものの中に価値を見出します。

プロジェクト3：野菜や花を描く

　それらのモチーフを選び、野菜や花を主に形状や色などで選ぶ事に作品の為のモチーフやインスピレーションを求めます。路上や、畑、公園、山や川やスーパーマーケットなど身近な場所に至るまで、国内外問わずリサーチを行います。

野菜について

2009年ごろから年に数回、知り合いの料理人と訪れる、幾つかの農家では、野菜の原種をはじめ、自然に近い状態で野菜を育てられていました。
そこで実際に野菜を収穫した後、それを持ち帰り、食べる事で絵を描き始めました。
そこでぼくは野菜のポジティブなエネルギーを感じながら絵を描く事がはじまりました。

花について

僕は小さな頃、母親に手を引かれて散歩をしていました。
道や庭に植えてある花を見せ、僕に”これが美しいという事だからね”と言っていた事をぼんやりと覚えています。
2003年にヨーロッパの教会や美術館に日本には来ない絵画作品を見に行ったときに、各所で咲いている花をデッサンしたり、写真に撮りました。
そこでは日本とはまるで違う花の存在価値に気ずきました。
それまでと違って花は生きる事へのポジティブなエネルギーの象徴だなと感じました。
僕にとって花とは美しさと生きる事へのポジティブさを兼ね備えたイメージとしてあります。

また、アメリカで最初に黒人のブルースミュージックを録音したのが人類学者だった様に、花や野菜の中から新しい形を抽出するのが画家の一つの役割かもしれないと思います。

 プロジェクト４：インスタレーション

　巨大な絵画や壁画を使用したインスタレーションも行っています。

これらは、今までの概念を一度リセットし、新しい概念で作品を造ろうと思い行っています。大きな空間の中にいると建築物のような規模で絵を描きたいという気持ちになります。大きな空間を使用した私の大きな絵画作品のインスピレーションの始まりはここにあります。

　巨大な絵は、例えると野外で行われる音楽フェスティバルで鳴っている大音量の音の様です。

　そこでおこなわれているのは、ただミュージシャン達が歌を歌ったり、楽器を奏でているだけです。それはマイクやアンプなどの電気回路を通して、音を増幅させることによって、観客に届く頃には大音量の音になります。音は大きいだけで印象がまったく変わってしまいます。音を絵に例えたらどうなるだろうか？全く同じではないですが、似たような関係性が、音と絵画の間にはあると思います。

　それに付随して、私はよく展示場所のギャラリーやカフェの図面をもらいます。それは、見た目の印象や出会いの思い込みを一旦”ゼロ”の状態にもどして、建築物を数字や記号（図面の中の、数字以外の全ての情報）でとらえ、それらを再構築し空間を使用したインスタレーション（設置芸術）を作成する為です。

　私の描く線は彫刻家の描く線のようだと言われます。これは僕の線が、描かれる時に、その形態の面の向こう側とこちら側を描こうとして描く事から繋がっています。それらは、彫刻家である両親から自然に身についたものであると思われます。

　平面性における形態への可能性を追求しています。

　人間は、宇宙に比べ、チリ以上に小さな存在で、その中で1人で悩み苦しみ、人を愛し傷つけ、物を作りまた壊します。そんな人間が描いた大きな絵画は、とても宇宙からみると、ちっぽけですが、宇宙と同等か、それ以上の創造する可能性につながっていると、僕は信じたい。